Bienal de Performance en Argentina 2015
BP.15
Es la Primera
Bienal de Performance en la Argentina. El motivo fundamental de su creación es
dar cuenta de un accionar, tanto artístico como político, de amplia trayectoria
en el país, con alcance y repercusión internacional, que alcanzó niveles de
popularidad en las décadas del 60 y 70, y que aún conserva plena vigencia.
Artistas ya consagrados en la historia del arte performance y
representantes de otras expresiones afines —como el teatro, la danza y la
música— presentarán trabajos inéditos desarrollados especialmente para la
Bienal. Porque de eso se trata: de tensionar los límites mismos del género.
Acercarse a una definición es, en sí, una práctica de lo imposible.
Designa una variedad tan amplia de actos que es difícil de discernir. A veces
se la asimila a la representación teatral o al happening... Y en esa
indeterminación —como manifestación huidiza y esquiva— radica todo su potencial
arrollador. En el mismo gesto con que se describe o explica, se borra y se
vuelve a inscribir en otra forma para después mutar. Es la expresión de lo
inasible. Pero cualquiera sea la concepción elegida para abordar el término, es
sencillo llegar a una misma conclusión: performance es una serie de prácticas
centradas en el uso del cuerpo.
Debido a que las performances adquieren distintos significados de acuerdo
al lugar y contexto donde se llevan a cabo, se vuelven legítimas vías de
transferencia de memoria ciudadana e identidad social. En América Latina en
general, y en Argentina en particular, muchas protestas destinadas a resistir
estructuras políticas opresivas y oponerse a las formas de poder vigentes
fueron leídas como performance sin dar cuenta de un origen artístico. Al mismo
tiempo, numerosas obras de arte performance fueron consideradas, por su postura
ideológica y por su nivel de provocación al sistema, actos políticos por
excelencia. Podríamos afirmar, entonces, que ciertas acciones y situaciones,
algunas veces llamadas performances, estrictamente desbordan el llamadocampo
del arte.
BP.15 es una iniciativa privada que reúne, en su diseño de exhibición, un
conglomerado de instituciones museísticas y espacios de arte, donde los mismos
construyen un esquema
espacial con ausencia de centro, convirtiendo así los
lugares en dinamizadores de sentido. Por medio de un programa que abarca desde
presentaciones en vivo hasta seminarios, workshops y encuentros en múltiples
sedes, tendrá como fin generar ámbitos simultáneos de indagación, exposición y
problematización de ideas con la intención de achicar la brecha existente entre
la praxis de la performance y el discurso teórico. Abordará temas tan disímiles
como la transformación en arte de diferentes esferas de la vida cotidiana, la
incorporación de las nuevas tecnologías a la performance entendida como
transgénero (articulación con el teatro, la danza, las instalaciones, la
música, etc.) y el valor de la documentación así como el archivo de las obras
en tanto experiencias transitorias.
La performance nunca pasa desapercibida: provoca aceptación o rechazo,
reflexión o negación. Transita desde siempre los umbrales de la ambigüedad y la
contradicción, tratando de dinamitar década tras década oposiciones binarias
entre lo vivo y lo mediado, lo espontáneo y lo escenificado, lo auténtico y lo
planificado. Sin embargo, en la actualidad, son otras las problemáticas a nivel
mundial que interfieren en su dilucidación. En plena época donde la vida está
tan mediatizada por los avances científicos y tecnológicos, ¿sigue siendo la
presencia del artista un hecho tan poderoso y desestabilizador? ¿Puede una
performance ser representada por otro cuerpo que no sea el del propio artista
que la imaginó?
La obra de Performance vista es:
Osías Yanov
VI Sesión en el Parlamento
Espacio: MALBA. Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
Si existiera la posibilidad de que una serie de movimientos fuera suficiente para establecer una ley ¿cómo sería un parlamento de cuerpos donde se sesione a partir de coreografías? Osías Yanov −mediante prácticas performáticas condicionadas por elementos escultórico− explora al individuo como generador de cambios mediante su reverberación física.
En VI Sesión en el Parlamento, el artista concibe el cuerpo como reservorio de significados y pone el foco en su capacidad de comunicarlos sin recurrir a las palabras. El proyecto asimila y emplea las estrategias formales de una sexualidad estereotipada para destruirlas considerando que éstas banalizan el potencial disidente y transformador del cuerpo mismo.
La búsqueda de Yanov radica en la indagación del cuerpo sexuado en relación a la forma, al espacio y a la temporalidad.
Critica personal:
En la obra los artistas ingresan en el espacio de la galería e inmediatamente exponen una serie de movimientos, en conjunto. Hay pausas entre un movimiento y el otro, como si hubiera una exposición de una pose en común que dura no mas de un minuto. En ella, observamos en algunos de sus integrantes el desafío de mantener posiciones corporales que distan mucho de lo normal, en donde se ponen a prueba las capacidades del cuerpo,equilibrio, la tensión, la fuerza, todo en conjunto para formar una sola figura pese a ser un total de 9 personas.
Luego de presentar una serie de 5 o 6 cambios todos se dispersan entre los observadores y toman una postura distinta, algunos se apropian del inmobiliario, como columnas, paredes, el propio piso, haciendo del elemento algo propio e involucrandolo en la obra. El observador toma al artista junto con el entorno como parte de la demostración. El artista hace del elemento algo propio. y uno pasa de observar solo el cuerpo del hombre a tener en cuenta también el objeto elegido por el artista.
Otros, simplemente se alejan haciendo propio otros espacios del museo, primer piso, ascensor, escaleras, se mezclan con la gente y comienzan a realizar su performance realizando varias veces el mismo baile.
Toda la secuencia de la Performance, sus movimientos, y variaciones de bailes y desplazamiento, finalizan a los 45 minutos aproximadamente, y vuelve a comenzar.
La secuencia solo se realiza dos veces, dándole a la performance una duracion de 2hs en total.
La experiencia fue buena, aunque no fue muy deslumbrante, los movimientos y las variaciones en las acciones de los artistas no llegaron a conectarme con la obra, si bien pude apreciar lo que realizaban y todos sus movimientos, en contraste con lo que se define como performance en donde el publico hace a la obra, este no fue el caso. Los artistas no modificaban sus acciones por reacciones del publico, y el publico que en algunos momentos intento ser parte, simplemente quedo desplazado sin provocar ningún cambio. Lo viví mas como una demostración de habilidades de expresion corporal, que como una performance.
Critica Personal:
La muestra me resulto muy atractiva al inicio. Ver tan próximos las destrezas de los artistas, sin escenarios de por medio y el saber que nuestra reacción como publico podría generar algún cambio me mantuvo atenta y expectante.
En el transcurrir de la obra el interés fue desvaneciendo al dar cuenta de que las intervenciones del publico no ocasionaban ningún tipo de cambio ni tensión, y la obra se desarrollaba exactamente igual a como se había estipulado, sin percibir cambios en ningún esquema, no había interacción de los artistas con el publico, y se transformo simplemente en una muestra en vivo, pero quizá sin poder completar el verdadero significado de la disciplina Performance. Esta percepción fue confirmada cuando a los aproximadamente 20 min. vimos que los artistas retomaban el lugar inicial y comenzaban la rutina nuevamente sin modificaciones.
La muestra me resulto muy atractiva al inicio. Ver tan próximos las destrezas de los artistas, sin escenarios de por medio y el saber que nuestra reacción como publico podría generar algún cambio me mantuvo atenta y expectante.
En el transcurrir de la obra el interés fue desvaneciendo al dar cuenta de que las intervenciones del publico no ocasionaban ningún tipo de cambio ni tensión, y la obra se desarrollaba exactamente igual a como se había estipulado, sin percibir cambios en ningún esquema, no había interacción de los artistas con el publico, y se transformo simplemente en una muestra en vivo, pero quizá sin poder completar el verdadero significado de la disciplina Performance. Esta percepción fue confirmada cuando a los aproximadamente 20 min. vimos que los artistas retomaban el lugar inicial y comenzaban la rutina nuevamente sin modificaciones.
Marina Abramović
Método Abramović
Espacio: Centro de Arte Experimental UNSAM
A lo largo de su carrera, Marina Abramović ha logrado difuminar los límites entre observador y observado, en lo que refiere a la performance. Tradicionalmente, el performer era el observado, y el público era el observador. El intercambio de roles −y el pedirle al público que participe de la acción y por ende pase a ser observado− plantea la posibilidad de una experiencia personal en un largo proceso de performance duracional.
La artista desarrolló el Método Abramović para brindarle al público la posibilidad de liberarse de las constantes distracciones del mundo moderno, permaneciendo en silencio y conectado con el momento presente.
Los ejercicios que se presentarán durante este workshop son parte del Método Abramović. Los participantes podrán quedarse en el espacio ofrecido durante el tiempo que deseen, para estar consigo mismos y experimentar la calma y la sensación poco frecuente de sentirse libres de responsabilidades.
Si los participantes pueden honrar el compromiso con ellos mismos y mantener el foco y la conexión interior durante este período de tiempo, la simplicidad de los ejercicios les permitirá alcanzar la claridad y conexión que suele faltarnos en nuestra vida diaria.
Conferencia BP 15.
"Manifiesto de un artista" Marina Abramovic
Manifiesto de la vida de un artista:
Conducta de vida de un artista
Un artista no debe mentirse a
sí mismo ni a los demás
Un artista no debe robar las
ideas del otro artista
Un artista no debe ponerse en
peligro a sí mismos o en relación con el mercado del arte
Un artista no debe matar a otro
ser humano
Un artista no se debe convertir
en un ídolo
Un artista no se debe convertir
en un ídolo
Un artista no se debe convertir
en un ídolo
Relación de un artista con su vida amorosa
Un artista debe evitar
enamorarse de otro artista
Un artista debe evitar
enamorarse de otro artista
Un artista debe evitar
enamorarse de otro artista
Relación de un artista con lo erótico
Un artista debe desarrollar un
punto de vista erótico en el mundo
Un artista debe ser erótico
Un artista debe ser erótico
Un artista debe ser erótico
Relación de un artista con el sufrimiento
Un artista debe sufrir
Desde el dolor, viene el mejor
trabajo
El sufrimiento trae
transformación
A través del sufrimiento de un
artista trasciende el espíritu
Relación de un artista con la depresión
Un artista no debe estar
deprimido
La depresión es una enfermedad
y debe ser curada
La depresión no es productiva
para un artista
La depresión no es productiva
para un artista
La depresión no es productiva
para un artista
Relación de un artista con el suicidio
El suicidio es un crimen contra
la vida
Un artista no deberá cometer
suicidio
Un artista no deberá cometer
suicidio
Un artista no deberá cometer
suicidio
Relación de un artista con la inspiración
Un artista debe mirar
profundamente dentro de sí mismos en busca de inspiración
Cuanto más profundo se ven
dentro de sí mismos, más universal que se convierten
El artista es universo
El artista es universo
El artista es el universo
Relación de un artista con el auto-control
El artista no debe tener
auto-control sobre su vida
El artista debe tener total
auto-control sobre su trabajo
El artista no debe tener
auto-control sobre su vida
El artista debe tener total
auto-control sobre su trabajo
Relación de un artista con la transparencia
El artista debe dar y recibir
al mismo tiempo
Transparencia significa
receptividad
Transparencia significa dar
Relación de un artista con el símbolo
Un artista crea sus propios
símbolos
Los símbolos son un lenguaje de
artistas
El lenguaje debe ser traducido
A veces es difícil encontrar la
clave
A veces es difícil encontrar la
clave
A veces es difícil encontrar la
clave
Relación de un artista con el silencio
Un artista tiene que entender
el silencio
Un artista tiene que crear un
espacio de silencio para entrar en su obra
El silencio es como una isla en
medio de un océano turbulento
El silencio es como una isla en
medio de un océano turbulento
El silencio es como una isla en
medio de un océano turbulento
Relación de un artista con la soledad
Un artista debe darse tiempo
para los largos períodos de soledad
La soledad es extremadamente
importante
Lejos del estudio
Lejos de la familia
Lejos de amigos
Un artista debe permanecer por
un largo período de tiempo en las cataratas
Un artista debe permanecer por
un largo período de tiempo en la explosión de volcanes
Un artista debe permanecer por
un largo período de tiempo mirando ríos rápidos
Un artista debe permanecer por
un largo período de tiempo mirando el horizonte, donde el mar y el cielo se
encuentran.
Critica personal:
Critica personal:
Valoro muchísimo cada manifestación de la artista. considero que por el solo hecho de haber dedicado su vida entera a su obra genera respeto absoluto. Cuanto mas conozco de ella mas me apasiona lo que hace, y me es cada vez mas cercana la posibilidad de interpretar lo que nos quiere dejar su mensaje. En este manifiesto Martina deja por sentado su opinión acerca de los artistas, de como tiene que ser un artista, con su obra, con sus compañeros, con el publico, y con lo que suceda a su alrededor, en definitiva define al artista según su manera de ver las cosas y de descifrar la vida y el legado que uno quiera dejar. Coincido en muchas de las opiniones que tiene al respecto y respeto que sea ella tan fiel a su discurso.
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